Walt Disney

Walter Elias "Walt" Disney (5 de diciembre de 1901 – 15 de diciembre de 1966) fue un magnate, dibujante de comic, cineasta, filántropo y actor de doblaje americano. Como figura prominente de la industria de la animación americana y mundial, es visto como un icono cultural, conocido por su influencia y sus contribuciones al entretenimiento durante el siglo XX. Su hermano Roy O. Disney y él mismo fundaron The Walt Disney Company.

Como animador y emprendedor, Disney fue famoso como cineasta y showman popular, así como innovador en animación y en diseño de parques temáticos. Él y su equipo crearon varios personajes ficticios como Mickey Mouse, el Pato Donald y Goofy. La voz de Disney fue la voz original de Mickey. Durante su vida, recibió cuatro Premios honorarios de la Academia y ganó 22 Premios de la Academia de un total de 59 nominaciones, incluyendo un record de cuatro en un año, recibiendo más premios y nominaciones que ningún otro individuo en la historia. Disney también ganó siete Premios Emmy y dio su nombre a Disneylandia y a los parques temáticos de Walt Disney en los Estados Unidos, así como a centros turísticos internacionales, como Tokyo Disney Resort, Disneyland Paris y Hong Kong Disneyland.

Murió el 15 de diciembre de 1966, de cáncer de pulmón en Burbank, California. Dejó detrás un vasto legado, que incluye numerosos cortos y largometrajes producidos durante su vida, la compañía, los parques y el estudio de animación que llevan su nombre y el Instituto de Artes de California (CalArts).

1901–1920: Primeros años

Niñez

Disney nació el 5 de diciembre de 1901, en el número 2156 de la Avenida North Tripp en la comunidad de Chicago Hermosa de su padre irlandés-canadiense, Elías Disney y de Flora Call Disney, descendiente de alemanes e ingleses. Su bisabuelo, Arundel Elias Disney, había emigrado desde Gowran, del Condado de Kilkenny, Irlanda donde había nacido en 1801. Arundel Disney era descendiente de Robert d'Isigny, un francés que había viajado a Inglaterra con Guillermo el Conquistador en 1066. Con el nombre d'Isigny anglizado como “Disney”, la familia se estableció en una aldea que ahora es conocida como Norton Disney, al sur de la ciudad de Lincoln, en el Condado de Lincolnshire.

En 1878 el padre de Disney, Elías, se había trasladado desde el Condado de Huron, Ontario, Canadá a los Estados Unidos, al principio buscando oro en California antes de establecerse finalmente en una granja con sus padres cerca de Ellis, Kansas, hasta 1884. Elias se casó con Flora Call el 1 de enero de 1888, en Acron, Florida, justo a unos 60 kilómetros al norte de donde se construyó finalmente Disneylandia. La familia se trasladó a Chicago, Illinois en 1890, ciudad en la que vivía el hermano de Elías, Robert, que ayudó a Elías financieramente durante la mayoría de los primeros años de Walt. En 1906, cuando Walt tenía cuatro años, Elías y su familia se trasladaron a Marceline, Missouri, donde su hermano mayor, Roy, había comprado una granja. En Marceline, Disney desarrolló su amor por el dibujo con uno de los vecinos de su familia, un doctor retirado llamado “Doc” Sherwood, que le pagaba por hacer dibujos de su caballo, Rupert. Elías estaba suscrito al periódico Appeal to Reason y Walt copiaba los dibujos de la portada de Ryan Walker. Su interés en los trenes empezó también en Marceline. Había un vía férrea llamada Atchison, Topeka y Santa Fe que pasaba cerca del vecindario. En cuanto escuchaban el silbato del tren, Walt y Roy corrían a un claro en una colina. Cuando eran reconocidos por su tío, Mike Martin, que conducía el tren, los saludaba con la mano y hacía un silbido largo, seguido por dos cortos. Eso funcionaba como una señal para los hermanos.

Walt asistió a la nueva Park School de Marceline en otoño de 1909. Él y su hermana menor, Ruth, empezaron en la escuela juntos. Antes de esto él no tuvo una escolarización formal. Los Disneys permanecieron en Marceline cuatro años, hasta que tuvieron que vender su granja el 28 de noviembre de 1910; ya que, dos de los hermanos mayores de Walt, Herbert y Ray, se habían hartado del trabajo constante y de no gastar casi nada de dinero, y se fueron en el otoño de 1906. Después la familia se trasladó a Kansas City en 1911, donde Walt y Ruth asistieron al instituto Benton en el número 3004 de Benton Boulevard, cercano a su nueva casa. Disney había completado el segundo grado en Marceline pero tuvo que repetir el grado en Kansas City. En la escuela conoció a Walter Pfeiffer, que venía de una familia de aficionados del teatro e introdujo a Walt en el mundo del vaudeville y en las películas. Rápidamente, Walt estaba pasando más tiempo en la casa de los Pfeiffers que en su casa, además de asistir a clase los sábados en el Instituto de Arte de Kansas City.

El 1 de julio de 1911, Elías compró una ruta de reparto del The Kansas City Star. Se extendía desde la calle 27ª a la calle 31ª, y desde la Avenida Prospect a la avenida Indiana. Roy y Walt fueron puestos a trabajar entregando periódicos. Los Disneys entregaban los periódicos matutinos Kansas City Times a unos 700 clientes y los vespertinos y el Star del sábado a más de 600. La cantidad de clientes que tenían se incrementó con el tiempo. Walt se despertaba a las 4:30 y trabajaba entregando periódicos hasta que la campana de la escuela sonaba. Continuaba trabajando en la ruta de reparto a las 16:00 hasta la hora de la cena. Él encontraba el trabajo agotador y, a menudo, recibía bajas notas por dormir en clase. Continuó con el reparto de periódicos más de seis años.

Adolescencia

En 1917 Elías adquirió acciones en la fábrica de gelatina O-Zell en Chicago y trasladó a su familia, de nuevo, a la ciudad. En otoño Disney empezó su año de novato en el Instituto McKinley y tomó clases nocturnas en la Academia de Bellas Artes de Chicago bajo la tutela del artista y educador Louis Grell (1887-1960). Se convirtió en el dibujante del periódico del instituto, dibujando temas patriotas de la Primera Guerra Mundial. Con la esperanza de alistarse en el ejército, Disney dejó el instituto a los dieciséis años, pero fue rechazado por no tener la edad suficiente. Después, Disney y un amigo se alistaron en la Cruz Roja. Fue enviado pronto a Francia durante un año, donde condujo una ambulancia, pero después de que el armisticio fuera firmado el once de noviembre de 1918.

Esperando encontrar un trabajo fuera de la fábrica O-Zell de Chicago, Walt volvió a Kansas City en 1919 para empezar su carrera artística. Pensó hacerse actor, pero decidió dibujar caricaturas políticas o tiras de comic para un periódico. Cuando nadie quería contratarlo ni como artista ni como conductor de ambulancia, su hermano Roy, que entonces trabajaba en un banco local, consiguió para Walt un trabajo temporal a través de un colega del banco en el Estudio de Arte Pesmen-Rubin, donde creó anuncios para periódicos, revistas y cines. En Pesmen-Rubin conoció al dibujante Ubbe Iwerks y, cuando su tiempo en el estudio terminó, decidieron crear su propia compañía juntos.

1920-1937: Comienzo de su carrera como dibujante de animación

En enero de 1920, Disney e Iwerks crearon una compañía que duró poco tiempo llamada “Iwerks-Disney Commercial Artists”. Sin embargo, como consecuencia de un duro comienzo, Disney dejó temporalmente de ganar dinero en la Compañía de anuncios de cine de Kansas City. Se le unió pronto Iwerks, que no podía llevar el negocio de ambos solo. Mientras trabajaba para la compañía, donde hacía anuncios basados en animación de recortes, Disney se interesó por la animación y decidió hacerse animador. El propietario de la Compañía de anuncios, A.V. Cauger, le permitió coger prestada una cámara del trabajo para experimentar con ella en casa. Después de leer el libro sobre Dibujos Animados de Edwin G. Lutz: “Cómo están hechos, su Origen y Desarrollo”, Disney consideró que la animación usando papel de calcar era mucho más prometedora que la animación de recortes que él estaba haciendo para Cauger. Finalmente decidió abrir su propio negocio de animación y reclutó a su compañero en la Compañía de Anuncios, Fred Harman, como su primer empleado. Disney y Harman empezaron a crear dibujos animados llamados Laugh-O-Grams. Disney estudió las Fábulas de Esopo como modelo. Los primeros seis de los nuevos Laugh-O-Grams eran modernos cuentos de hadas. Proyectaron sus dibujos animados en un cine local que era de Frank Newman, que era uno de los más populares showmen de Kansas City.

Estudio Laugh-O-Gram

Presentado como “Newman Laugh-O-Grams”, los dibujos animados de Disney se hicieron muy populares en el área de Kansas City. Gracias a su éxito, pudo adquirir su propio estudio, también llamado Laugh-O-Gram, para el que contrató a varios animadores, incluyendo al hermano de Fred Harman, Hugh Harman, a Rudolf Ising y a su gran amigo Ubbe Iwerks. Se abrió el 18 de mayo de 1922. Sin embargo, los beneficios del estudio eran insuficientes para cubrir los altos salarios pagados a sus empleados. Incapaz de administrar el dinero con éxito, el estudio de Disney se endeudó y entró en bancarrota, por lo cual, decidió establecer un estudio en Hollywood, capital de la industria cinematográfica.

Carrera en Hollywood y casamiento

Dos meses después de su llegada en octubre de 1923, Disney y su hermano Roy juntaron su dinero y establecieron un estudio en Hollywood. Virginia Davis, la estrella de “Las Maravillas de Alicia”, y su familia se trasladaron desde Kansas City a Hollywood a petición de Disney, como hicieron Iwerks y su familia. Éste fue el principio del Estudio de los Hermanos Disney, localizado en la Avenida Hyperion en el distrito de Silver Lake, donde permaneció hasta 1939. En 1925 Disney contrató a una joven llamada Lillian Bounds para entintar y pintar un celuloide. Después de un breve noviazgo, la pareja se casó ese mismo año el 25 de julio de 1925.

Comedias de Alicia

Disney y Roy necesitaban encontrar un distribuidor para las Comedias de Alicia que Walt había empezado a hacer mientras estaba en Kansas City pero que nunca había conseguido distribuir. Disney envió un impreso inacabado a la distribuidora de Nueva York Margaret Winkler, que rapidamente le escribió que tenía muchas ganas de firmar un contrato de distribución para más cortos animados basados en “Las Maravillas de Alicia”. Walt hizo la animación él mismo e hizo las escenas con personajes reales, mientras que Roy hizo el papel de cámara (que no le era muy familiar), fotografiando los dibujos animados y a los personajes reales. La primera de las nuevas Comedias de Alicia: “Un día de Alicia en el Mar”, se entregó el 26 de diciembre de 1923, y el estudio de los Hermanos Disney recibió sus primeras ganancias de 1.500$. La nueva serie de las Comedias de Alicia, tuvo éxito. Fue interpretada por Virginia Davis, asumiendo más tarde el papel otras jóvenes. Las series finalizaron en 1927 porque había perdido popularidad. El historiador J.B. Kaufman dijo que el foco se centraba más en los dibujos animados que en el personaje real de Alicia.

Oswald el Conejo Afortunado

Charles Mintz ordenó una nueva serie totalmente animada para que se pusiera en producción y para que fuera distribuida por Universal Pictures. La nueva serie, “Oswald el Conejo Afortunado”, fue casi un éxito instantáneo, recibiendo comentarios como “excepcionalmente inteligente” y “Diseño inteligente de dibujos animados”. Su personaje principal, Oswald -dibujado y creado por Iwerks-se convirtió en una figura popular con un alto rendimiento comercial.

Disney fue a Nueva York en febrero de 1928 para negociar unos emolumentos mayores por cada corto. Se quedó atónito cuando Mintz le dijo que no sólo quería reducir los emolumentos que le pagaba a Disney por cada corto sino que, además, le dijo que tenía contratados a la mayoría de sus principales animadores, incluyendo a Harman, Ising, Maxwell y Freleng -pero no a Iwerks, que había rehusado dejar a Disney- y que crearía su propio estudio si Disney no aceptaba reducir los presupuestos de producción. Era Universal, y no Disney, la que poseía la marca registrada “Oswald” y podía hacer las películas sin Walt. Disney declinó la oferta de Mintz y, por consiguiente, perdió la mayoría de su personal de animación, con lo cual se encontró solo él mismo otra vez.

Finalmente le llevó a su compañía 78 años recuperar los derechos del personaje de “Oswald” cuando en 2006 Walt Disney Company volvió a adquirir los derechos de “Oswald el Conejo Afortunado” que estaba en manos de NBC Universal.

Mickey Mouse

Después de perder los derechos de Oswald, Disney se vió en la necesidad de crear un nuevo personaje para reemplazarlo, que estaba basado en un ratón que había adoptado como mascota mientras estaba trabajando en su estudio Laugh-O-Gram en Kansas City. Iwerks revisó los sketches hechos por Disney para que fuera más fácil animar al personaje, aunque la voz de Mickey y la personalidad fueron aportados por el mismo Disney hasta 1947. En palabras de uno de los empleados de Disney, “Ub diseñó la apariencia física de Mickey, pero Walt le dió su alma”. Además de Oswald y de Mickey, un personaje de un ratón “Ike the Mouse” es visto en las Comedias de Alicia. Además, el primer corto de Flip la Rana, llamado Pamplinas, mostraba a un personaje parecido a Mickey Mouse haciendo tonterías. Las primeras películas fueron animadas por Iwerks, con su nombre destacado en los títulos de crédito. Originalmente llamado “Mortimer”, más tarde, Lillian Disney, le cambió el nombre al ratón por el de “Mickey”, ya que pensaba que el nombre “Mortimer” no era atractivo. Mortimer finalmente fue el nombre del rival de Mickey con respecto a Minnie -más alto que su renovado adversario y hablando con acento de Brooklyn-.

El primer corto en el que apareció Mickey, Avión Loco; fue una película muda como todos los trabajos previos de Disney. Después de no encontrar un distribuidor para el corto y para el siguiente corto: “El Gaucho Galopante”, Disney creó una película de Mickey con sonido llamada: “El Barco de Vapor Willie”. Un empresario llamado Pat Powers le proporcionó a Disney distribución y un Cinephone, un proceso de sincronización del sonido. “El Barco de Vapor de Willie” se convirtió en un éxito instantáneo. El Avión Loco, El Gaucho Galopante y las siguientes películas de Mickey vieron la luz con banda sonora. Después de estrenar “El Barco de Vapor de Willie”, Disney usó el sonido con éxito en todas las siguientes películas, y el Cinephone también se convirtió en el nuevo distribuidor de las primeras películas sonoras de Disney. Mickey pronto eclipsó a Félix el Gato como el dibujo animado más popular. La popularidad de Mickey creció rapidamente a principios de los años treinta.

Sinfonías Tontas (Silly Symphonies)

Siguiendo los pasos de la serie de Mickey Mouse, una serie de cortos musicales titulados “Sinfonías Tontas” vieron la luz en 1929. El primero “La Danza del Esqueleto” (The Skeleton Dance) fue totalmente pintado y animado por Iwerks, que también era responsable de dibujar la mayoría de los dibujos animados puestos en el mercado por Disney en 1928 y en 1929. Aunque las dos series tuvieron éxito, el estudio Disney no estaba recibiendo la justa participación en los beneficios de Pat Powers. En 1930 Disney firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures. La base original de los dibujos animados era su novedad musical, siendo los primeros dibujos animados de las Sinfonías Tontas los que utilizaron partituras compuestas por Carl Stalling.

En 1932, aunque Mickey Mouse se había convertido en un personaje relativamente popular, Las Sinfonías Tontas no tenían tanto éxito. Ese mismo año se vió un incremento en la competencia debido a la aparición de Betty Boop, de Max Fleischer, que ganó popularidad entre las audiencias de los cines. Fleischer, considerado el principal rival de Disney en los años treinta, era también el padre de Richard Fleischer, a quien Disney contrató más tarde para dirigir su película de 1954 “20.000 Leguas de Viaje Submarino”. Mientras tanto, el 13 de abril de 1931, Columbia Pictures fue reemplazada en la distribución de las películas de dibujos animados de Disney por United Artists. A finales de 1932, Herbert Kalmus, que había completado un trabajo en la primera cámara de tres pistas en technicolor, habló con Walt y lo convenció de volver a hacer la película “Flores y Árboles” que había sido rodada en blanco y negro, en technicolor de tres pistas. “Flores y Árboles” fue un enorme éxito y ganó el Primer Premio de la Academia por el mejor corto de dibujos animados en 1932. Después de la aparición de “Flores y Árboles”, todas los dibujos animados de Sinfonías Tontas fueron en color. Disney pudo negociar un contrato de dos años con Technicolor, que le dió la exclusiva del uso de ese proceso, un periodo que finalmente se extendió hasta los cinco años. A través de Sinfonías Tontas, Disney creó los dibujos animados que tuvieron más éxito de todos los tiempos, “Los Tres Cerditos” (1933). Los dibujos animados estuvieron en los cines muchos meses, incluyendo la canción de éxito que se convirtió en el himno de la Gran Depresión, “¿Quién Teme al Lobo Feroz?”. Una de las razones por las que “Los Tres Cerditos” tuvo tanto éxito fue la fuerza de su historia, en la que Disney se había dado cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar emotivamente historias fascinantes que atraparían a la audiencia y no les dejarían escapar. Esto le llevó a otra de sus innovaciones: un “departamento de guionistas” separado del departamento de los animadores.

Primer Premio de la Academia y posteriores series derivadas

El 18 de noviembre de 1932, Disney recibió un Premio especial de la Academia por la creación de “Mickey Mouse”. Las series, que se pasaron al color en 1935, pronto lanzaron series derivadas para personajes de apoyo como el Pato Donald,, Goofy y Pluto. De todos los amigos de Mickey, el Pato Donald, que se unió a Mickey en una película de dibujos animados de 1934, “Prestaciones para los huérfanos”, fue el más popular, convirtiéndose en el segundo personaje de Disney que tuvo más éxito, de todos los tiempos.

Paternidad

El primer intento de los Disneys de tener un bebé finalizó en un aborto. Lillian se quedó embarazada otra vez y dió a luz a una niña, Diane Marie Disney, el 18 de diciembre de 1933. Más tarde, los Disneys, adoptaron a Sharon Mae Disney (31 de diciembre de 1936 – 16 de febrero de 1993).

Diane se casó con Ron Miller a la edad de veinte años y es conocida como Diane Disney Miller. Los Millers crearon una bodega llamada “Viñedos Silverado” en California. Diane y Ron Miller tuvieron siete hijos: Christopher, Joanna, Tamara, Jennifer, Walter, Ronald y Patrick. Años más tarde, Diane se convirtió en la cofundadora del Museo de la Familia de Walt Disney, con la ayuda de sus hijos. Diane murió el 19 de noviembre de 2013, de complicaciones de una caída en casa.

Sharon Mae Disney nació el 31 de diciembre de 1936 en Los Angeles, California y fue adoptada más tarde por los Disneys debido a las complicaciones severas de Lillian en el embarazo. Sharon se casó con Robert Brown el 10 de mayo de 1959, con el que tuvo un hijo. Permanecieron casados hasta la muerte de él en 1967. Sharon se casó con William Lund en 1969 y tuvo dos hijos con él, pero seis años más tarde se divorciaron. Sharon fue una filántropa y contribuyó a obras de beneficencia tales como el Centro de Terapia Educacional Marianne Frostig y la fundación Curtis School. In 1993, Sharon murió a la edad de 56 años. Después de la muerte de Sharon, su herencia dejó 11 millones de dólares al Instituto de Artes de California (CalArts), del cual ella fue miembro del Consejo Directivo durante casi dos décadas. La donación de Sharon fue conmemorada llamando a la Escuela de Danza, Escuela de Danza de Sharon D. Lund.

1937-1941: Edad de Oro de la animación

“La Locura de Disney”: Blancanieves y los Siete Enanitos

Después de la creación de dos series de dibujos animados, en 1934, Disney empezó a planear un largometraje. Cuando la Industria Cinematográfica supo de los planes de Disney de hacer una versión en un largometraje animado de Blancanieves, estaban seguros de que el esfuerzo destruiría el Estudio Disney y apodaron el proyecto “La Locura de Disney”. Lillian y Roy trataron de convencer a Walt para que abandonara el proyecto, pero él continuó con los planes de la película, empleando al profesor del Instituto de Arte Chouinard, Don Graham, para que formara al personal del estudio. Disney usó las Sinfonías Tontas como una plataforma para experimentar en animación realista humana, distintas formas de animación, efectos especiales y el uso de procesos especializados y de aparatos tales como la cámara de multiplano -una nueva técnica que fue usada por Disney por primera vez en el corto de Las Sinfonías Tontas de 1937, “El Viejo Molino”.

Todo este desarrollo y todo ese entrenamiento fue usado para incrementar la calidad del estudio y para asegurar que la película alcanzaría las expectativas de calidad de Disney. Titulada: “Blancanieves y los Siete Enanitos” la película empezó su producción en 1934 y continuó hasta mediados de 1937 cuando el estudio se quedó sin dinero. Para obtener el dinero para completar Blancanieves, Disney tuvo que recortar los gastos. El estreno de la película en el Cine Carthay Circle el 21 de diciembre de 1937 fue alabado por la audiencia. Blancanieves, la primera película animada en América hecha en Technicolor, se presentó en febrero de 1938 mediante un nuevo contrato de distribución con RKO Radio Pictures. RKO había sido el distribuidor de las películas de dibujos animados de Disney en 1936, después de que cerraran los Estudios Van Beuren a cambio de la distribución. La película se convirtió en la película de dibujos animados de más éxito de 1938 y ganó más de 8 millones de dólares en su lanzamiento inicial, el equivalente a 134.033.100 dólares de hoy.

Éxitos posteriores

Después del éxito de Blancanieves, por el que Disney recibió un Óscar de tamaño normal y siete estatuillas de Óscar en miniatura, pudo construir unos estudios de Walt Disney en Burbank, que empezó los negocios el 24 de diciembre de 1939. Blancanieves empezó una era que, más tarde, sería conocida como “La Edad de Oro de la Animación” para el estudio. El personal de animación, habiendo terminado Pinocho, continuó su trabajo con Fantasía y Bambi así como las primeras etapas de la producción de Alicia en el País de las Maravillas, Peter Pan y Viento en los Sauces. El personal de cortos siguió trabajando en las series de Mickey Mouse, el Pato Donald, Goofy y Pluto. El animador Fred Moore había rediseñado a Mickey Mouse a finales de los treinta después de que el Pato Donald le hubiera sobrepasado en popularidad entre las audiencias de los cines.

Pinocho y Fantasía siguieron a Blancanieves y los Siete Enanitos en los cines en 1940, pero tuvieron problemas financieros. El barato Dumbo fue planeado como un generador de ingresos, pero durante la producción, la mayoría del personal de animación empezó una huelga, tensando permanentemente las relaciones entre Disney y sus artistas.

1941-1945: Segunda Guerra Mundial

Poco después del lanzamiento de Dumbo en octubre de 1941, los Estados Unidos entraron en la Segunda Guerra Mundial. El Ejército de los Estados Unidos, la Armada y la Aviación contrataron la mayoría de las instalaciones de los estudios Disney donde el personal creó películas de formación e instrucción para los militares como “Señales de Aterrizaje de un Avión de Transporte”, cortos para levantar la moral en el frente como “El Rostro del Fuhrer”, que ganó un Premio de la Academia y la película “Victoria a través del Poder Aéreo”. Las películas militares no generaban ingresos, y el largometraje Bambi dió pocos beneficios en su lanzamiento en abril de 1942. Disney volvió a lanzar Blancanienves en 1944 con éxito, estableciendo una tradición de relanzamientos, cada siete años, de sus películas. En 1945, “Los Tres Caballeros” fue el último largometraje animado lanzado por el estudio durante la Guerra.

En 1941, el Departamento del Estado de los Estados Unidos envió a Disney y a un grupo de animadores a Sudamérica como parte de su política de Buena Vecindad, garantizando, al mismo tiempo, la financiación de la película resultante, “Saludos Amigos”. Además, la Oficina de los Estados Unidos de Coordinación de los Asuntos Interamericanos le pidió a Disney que hiciera una película educativa sobre la Cuenca del Amazonas, que dió como resultado el corto de 1944, “El Amazonas se Despierta”.

Disney comenzó el trabajo de hacer también insignias para los soldados. Eran usadas no sólo para llevar humor a las unidades militares sino también para subir la moral. La primera insignia fue creada a principios de 1933 para un Escuadrón de Reserva Naval estacionado en el Campo Floyd Bennett en Nueva York. Disney creó su propio diseño de la insignia con Hank Porter, en la dirección, Roy Williams, Bill Justice, Van Kaufman, Ed Parks y George Goepper. Juntos, estos hombres crearon más de 1.200 insignias durante la duración de la Segunda Guerra Mundial. Todos los diseños fueron creados gratuitamente. “Las insignias le decían mucho a los hombres que estaban luchando . . . Yo tenía que hacerlo . . . Yo debía hacero para ellos” dijo Disney.

1945-1955: Periodo de Postguerra

A finales de los cuarenta, el estudio se había recuperado lo suficiente para continuar la producción de los largometrajes “Alicia en el País de las Maravillas” y “Peter Pan”, que habían sido aparcados durante los años de guerra. Empezó también el trabajo de “Cenicienta”, que se convirtió en la película de más éxito de Disney desde Blancanieves y los Siete Enanitos. En 1948 el estudio inició también una serie de películas (que no eran de dibujos animados) titulada “Verdaderas Aventuras de la Vida”, siendo “La Isla de las Focas” la primera. A pesar de su clamoroso éxito con los largometrajes, los cortos de animación del estudio no eran tan populares como lo habían sido antes, prestando más atención el público a la Warner Bros. Y a su estrella de la animación Bugs Bunny. En 1942, Producciones Leon Schlesinger, que producía los dibujos de la Warner Bros., se había convertido en el estudio más popular de animación del país. Sin embargo, mientras que la popularidad de Bugs Bunny crecía en los cuarenta, lo mismo ocurría con el Pato Donald, un personaje que reemplazaría a Mickey Mouse como el personaje estrella de Disney en 1949.

Mientras tanto, los estudios de Disney creaban paquetes de películas baratos, que contenían colecciones de cortos animados, y se enviaban a los cines durante este período. Estos paquetes incluían: “Haz mi música” (1946), Tiempo de Melodía (1948), Las aventuras de Bongo, Mickey y las judías mágicas (1947), y Las Aventuras de Ichabod y el Señor Toad (1949). El último tenía sólo dos secciones, la primera basada en “El Viento en los Sauces” de Kenneth Grahame, y el segundo en “La Leyenda de Sleepy Hollow” de Washington Irving. Durante este período, Disney también se atrevió con largometrajes dramáticos que mezclaban la acción en directo con escenas animadas, que incluían “El sonido del Sur” y “Tan Querido para Mi Corazón”. Después de que la guerra terminara, la popularidad de Mickey bajo otra vez.

A mediados de los cincuenta, Disney produjo películas educativas en el programa espacial en colaboración con el ingeniero de cohetes de la NASA Wernher von Braun: “El Hombre en el Espacio” y “El Hombre en la Luna” en 1955, y “Marte y Más Allá” en 1957. El Hombre en el Espacio fue nominado al Mejor Corto Documental de 1956 de la Academia de Cinematografía y de las Ciencias.

Disney y el anticomunismo

Disney fue miembro fundador del grupo anticomunista Alianza Cinematográfica por la Preservación de los Ideales Americanos. En 1947, Disney testificó ante el Comité de Actividades Americanas (HUAC), donde dijo que Herbert Sorrell, David Hilberman y William Pomerance, antiguos animadores y organizadores sindicales, eran agitadores comunistas. Ellos negaron las alegaciones y Sorrell venía de testificar ante la HUAC en 1946 cuando no se encontraron suficientes evidendias para vincularlo al Partido Comunista. Disney también acusó a los Animadores de ser culpables de ser un frente comunista, y agregó que la huelga de 1941 fue parte de un esfuerzo organizado comunista de ganar influencia en Hollywood. El 12 de enero de 1955, Disney fue aprobado por el FBI como oficial (agente especial a cargo). El título fue usado internamente por la Oficina por un grupo de personas de confianza que podían contactar para obtener información o más ayuda. Las Memorias indican que dejó una fuente de información a su muerte.

1955-1966: Parques temáticos y más allá

Carolwood Pacific Railroad

Durante 1949, Disney y su familia se mudaron a un nuevo hogar en una gran parcela en el distrito de Holmby Hills de Los Angeles, California. Con la ayuda de sus amigos, Ward y Betty Kimball, que ya tenían su propio tren en su terreno, Disney hizo un proyecto e inmediatamente empezó a trabajar para crear una miniatura de una locomotora a vapor para su terreno. El nombre de la locomotora, Carolwood Pacific Railroad, viene de su localización en Carolwood Drive. El plano de la vía férrea de media milla incluía un puente de 14 metros, giros, pasos elevados, inclinaciones, un terraplén elevado y un túnel por debajo del macizo de flores de su mujer. Él llamó a la miniatura que funcionaba con vapor, construída por el ingeniero de los estudios Disney, Roger E. Broggie, Lilly Belle en honor a su mujer e hizo firmar a su mujer un papel dando permiso legal al tren para que pasara a través de las áreas ajardinadas; sin embargo, no hay pruebas de dichos documentos.

Planeando Disneylandia

En un viaje de negocios a Chicago a finales de los cuarenta, Disney dibujó bocetos de sus ideas para un parque de entretenimiento donde él se imaginaba a sus empleados pasando el tiempo con sus hijos. La idea de un parque temático para niños le vino de una visita a Fairyland para Niños en Oakland, California. También se dice que Disney puede haberse inspirado, para crear Disneylandia, en el parque República de los Niños, localizado en Manuel B. Gonnet, La Plata, Argentina, abierto en 1951. Este plan estaba pensado originalmente para ser construido en un terreno localizado enfrente de la parte sur del estudio. Estas ideas originales se convirtieron en un concepto para una gran empresa que daría lugar a Disneylandia. Disney empleó cinco años en crear Disneylandia y creó una nueva compañía subsidiaria, WED Enterprises, para llevar la planificación y la construcción del parque. Un pequeño grupo de empleados del estudio de Disney se unieron al desarrollo del proyecto como ingenieros y proyectistas, y fueron apodados Imagineers.

Tal y como Disney explicó en uno de sus primeros planes a Herbert Ryman, que creó el primer dibujo a vista de pájaro de Disneylandia presentado al Banco de América para obtener fondos para el proyecto, dijo: “Herbie, quiero que no se parezca a nada en el mundo. Y debe estar rodeado por un tren”. Según el propio Disney. El entretener a sus hijas y a sus amigos en el Carolwood Pacific Railroad le inspiró para incluir un tren en Disneylandia.

Gran inauguración de Disneylandia

El 17 de julio de 1955, Disneylandia hizo una presentación previa en directo por TV; entre las miles de personas que asistieron estaban Ronald Reagan, Bob Cummings y Art Linkletter, que compartieron los deberes como anfitriones, así como el alcalde de Anaheim. Disney dió el siguiente discurso de dedicación:

A todos los que vienen a este sitio feliz; bienvenidos. Disneylandia es vuestro sitio. Aquí la edad revive recuerdos afectuosos del pasado... y aquí la juventud debe saborear el reto y la promesa del futuro. Disneylandia está dedicada a los ideales, los sueños y los duros sucesos que han creado América ... con la esperanza de que será una fuente de júbilo e inspiración para todo el mundo

Disney fue por todos los sitios, presentando un espacio y después otro. En Fantasyland, dijo: “Fantasyland está dedicada a los jóvenes y a los jóvenes de corazón, aquellos que creen cuando formulas un deseo cuando ves una estrella fugaz, vuestros sueños se harán realidad”

Expansión a nuevas áreas

Walt Disney Productions empezó a trabajar en Disneylandia, y expandió sus otras operaciones de entretenimiento. En 1950, la Isla del Tesoro se convirtió en la primera aplicación totalmente real (sin dibujos animados), pronto seguida por 20.000 Leguas de Viaje Submarino (en CinemaScope, 1954), El Viejo Grito (1957), El Perro Peludo (1959), Pollyanna (1960), Robinson, la familia suiza (1960), El Profesor Despistado (1961) y el Padre Tramposo (1961). El estudio produjo su primer especial para TV, “Una hora en el País de las Maravillas”, en 1950. Disney empezó a emitir unas series antológicas semanalmente en ABC tituladas: “Disneyland, después del parque” en la cual se podían ver clips de producciones pasadas de Disney, daba visitas a su estudio, y familiarizaba al público con Disneylandia que estaba construida en Anaheim. El show también presentaba unas miniseries de Davy Crockett, que empezaron a hacer popular a Davy Crockett entre la juventud americana, y se vendieron millones de gorras de piel de mapache y otros recuerdos de Crockett por todo el país. En 1955, el primer show diario en televisión del Club de Mickey Mouse debutó en ABC. Era un revolucionario show de comedia y variettés creado específicamente para los niños. Disney se interesó mucho en el show e incluso volvió al estudio de animación para dar su voz a Mickey Mouse en las partes animadas durante su producción de 1955 a 1959. El club de Mickey Mouse continuó en el Canal Disney en los noventa.

Mientras que el estudio se expandía y se diversificaba en otros medios, Disney prestaba menos atención en el departamento de animación, confiando la mayoría de sus operaciones en sus animadores clave, a quienes él apodaba “Los Nueve Viejos”. Aunque pasaba menos tiempo en supervisar la producción de las películas animadas, él estaba siempre presente en las reuniones de los guiones. Durante la vida de Disney, el departamento de animación creó la película de éxito “La Dama y el Vagabundo” (la primera película animada en CinemaScope) en 1955, “La Bella Durmiente” (la primera película animada en Super Technirama 70mm) en 1959, “Ciento un Dálmatas” (la primera película animada que usó Xerox cels) en 1961, y “Merlín el Encantador” en 1963.

La producción de cortos siguió el ritmo hasta 1956, cuando Disney cerró la división responsable aunque continuaron proyectos especiales de cortos para el resto de la duración del estudio de una forma irregular. Estas producciones eran distribuidas por la nueva subsidiaria de Disney, Buena Vista Distribution, que se había quedado con los derechos de distribución de todas las películas de Disney que eran de RKO en 1955. Disneylandia, uno de los primeros parques temáticos del mundo, finalmente abrió el 17 de julio de 1955, y tuvo un éxito inmediato. Visitantes de todo el mundo vinieron a visitar Disneylandia, que contenía atracciones basadas en personajes de las películas de Disney.

Después de 1955, se le cambió el nombre al show Disneyland TV por el de Walt Disney Presents. Pasó del blanco y negro al color en 1961 y volvió a cambiar su nombre al de “Maravilloso Mundo del Color de Walt Disney”, cambiando al mismo tiempo de la ABC a la NBC, y finalmente pasando a la denominación actual de “El Maravilloso Mundo de Disney”. Desde entonces, ha emitido en ABC, CBS, NBC, el Hallmark Channel y en Cartoon Network mediante unos derechos de emisión separados. Mientras estaban emitiéndose, las series Disney ofrecían personajes recurrentes como el reportero y detective “Gallegher” interpretado por Roger Mobley con un argumento basado en la escritura de Richard Harding Davis.

Disney había creado ya su propia división de música en 1949 y en 1956. Parcialmente inspirada en el enorme éxito del tema televisivo “La Balada de Davy Crockett”, creó una entidad de producción y distribución de grabaciones musicales poseída por la propia compañía llamada Disneyland Records.

Éxitos de principios de los sesenta

A principios de los sesenta, el Imperio Disney se había convertido en un gran éxito, y Walt Disney Productions se había hecho líder mundial en producción de entretenimiento para las familias. Walt Disney fue el Responsable de Boato de los Juegos Olímpicos de Invierno de 1960. Después de décadas intentándolo, Disney adquirió los derechos de los libros P. L. Travers sobre una niñera mágica. Mary Poppins, lanzada en 1964, fue la película de más éxito de Disney de los sesenta y tenía una canción escrita por los favoritos de Disney, los Sherman Brothers. Ese mismo año, Disney presentó varias exposiciones en la Feria Mundial de Nueva York, incluyendo figuras animatrónicas, que luego fueron integradas en atracciones en Disneylandia y un nuevo proyecto de parque temático que iba a ser creado en la Costa Este.

Planes para Disney World y EPCOT

A finales de 1965, Disney anunció planes para crear otro parque temático que sería llamado Disney World a unos pocos kilómetros al sudeste de Orlando. Disney World iba a incluir “el Reino Mágico”, una versión más grande y elaborada de Disneylandia. También iba a tener varios campos de golf, hoteles y centros turísticos. El corazón de Disney World, sin embargo, iba a ser el Prototipo de una Ciudad Experimental (o Comunidad) del Mañana, conocida como EPCOT para acortar.

Centro turístico de esquí Mineral King

Desde principios a mediados de los sesenta, Walt Disney hizo planes para un centro turístico de esquí en Mineral King, un valle glaciar en la cadena montañosa de Sierra Nevada de California. Trajo a expertos tales como el renombrado entrenador olímpico de esquí y diseñador Willy Schaeffler, que ayudó a planear una villa para los visitantes, pistas de esquí y teleféricos entre las diferentes depresiones del terreno que rodeaban el valle. Los planes empezaron a hacerse realidad a mediados de los sesenta, pero Walt murió antes de que la obra real empezara. La muerte de Disney y la oposición de los conservacionistas pararon la construcción del centro turístico.

Enfermedad y muerte

Walt Disney era un fumador que encadenaba un cigarrillo con otro, aunque él se aseguraba de que ningún niño pudiera verle fumando. En 1966, se le dió cita a Disney para una operación de cirugía para reparar una antigua herida de cuello causada por muchos años jugando al polo en el Club Riviera de Hollywood. El 2 de noviembre, durante los exámenes con rayos X, los doctores del Centro Médico St. Joseph en Providenci, que se encontraba enfrente del Estudio de Disney, descubrieron un tumor en su pulmón izquierdo. Cinco días más tarde, una biopsia mostró que el tumor era maligno y que se había extendido por todo el pulmón izquierdo. Después de quitar el pulmón el 11 de noviembre, los cirujanos le informaron que su esperanza de vida era de entre seis meses y dos años. Después de varias sesiones de terapia con cobalto, Disney y su mujer pasaron una corta temporada en Palm Springs, California. El 30 de noviembre, Disney sufrió un colapso en su casa. Fue reavivado por el personal del departamento de bomberos y fue llevado deprisa al hospital St. Joseph's. El portavoz de Disney dijo que estaba allí para un “chequeo postoperatorio”. Diez días después de su 65º aniversario, el 15 de diciembre de 1966, a las 9:30, Disney murió de colapso circulatorio agudo, causado por cáncer de pulmón.

Las producciones finales en las que Disney tuvo un papel activo fueron “El Libro de la Selva” y el musical (sin dibujos animados) “El Millonario más Feliz”, presentadas en 1967, así como el corto “Winnie the Pooh y el Día Tempestuoso” presentada en 1968. El compositor Robert B. Sherman recordó de la última vez que vió a Disney:

Él estaba arriba, en el tercer piso del edificio de animación después del ensayo de “El Millonario más Feliz”. Después, usualmente hablaba en el vestíbulo con la gente que trabajaba en la película. Y él empezó a hablarles, diciéndoles lo que quería y lo que debían cambiar, y entonces, cuando se fueron, giró hacia nosotros y, con una gran sonrisa, dijo: “Mantened el buen trabajo, muchachos”. Y se fue a su oficina. Fue la última vez que lo vi.

Hibernación, leyenda urbana

Una leyenda urbana mantiene que Disney fue crionizado, y que su cadáver congelado fue guardado debajo de la atracción de Los Piratas del Caribe en Disneylandia, pero Disney fue incinerado el 17 de diciembre de 1966, y su cenizas fueron enterradas en el Parque Conmemorativo Forest Lawn en Glendale, California. El primer humano que fue crionizado, lo fue en enero de 1967, más de un mes después de la muerte de Disney. Según “al menos uno de los publicistas de Disney”, tal y como informó la revista francesa Ici Paris en 1969, la fuente del rumor fue un grupo de animadores del Estudio de Disney con un “raro sentido del humor” que estaban gastando una broma final a su jefe. Su hija Diane escribió en 1972: “Es totalmente falso el rumor de que mi padre haya deseado ser congelado. Creo que mi padre nunca supo nada sobre la crionización”

Legado

Continuando con las Producciones Disney

Después de la muerte de Walt Disney, Roy Disney volvió de su retiro para tomar el control total de Walt Disney Productions y de WED Enterprises. En octubre de 1971, las familias de Walt y Roy se juntaron en el Castillo de Cenicienta en el Reino Mágico para abrir oficialmente el Centro Turístico Walt Disney World. Roy dió un discurso sobre la dedicatoria del parque:

Walt Disney World es un tributo a la filosofía y a la vida de Walter Elias Disney...y al talento, la dedicación y la lealtad de toda la organización Disney que hizo que el sueño de Walt Disney se hiciera realidad. Walt Disney World puede traer Alegría, e Inspiración y Nuevo Conocimiento a todos los que vienen a este sito feliz... un Reino Mágico donde los jóvenes de corazón de todas las edades puedan reír y jugar y aprender juntos.

Durante la segunda fase del parque temático “Walt Disney World”, EPCOT fue convertido por los sucesores de Disney en EPCOT Center, que abrió en 1982. Como actualmente existe, EPCOT es una feria mundial viva, diferente de la ciudad funcional que Disney había visionado. En 1992, Walt Disney Imagineering dió un paso más cerca de las ideas originales de Disney y dedicó Celebration, Florida, una ciudad construida por Walt Disney Company adyacente a Walt Disney World, que atiende al espíritu de EPCOT. Se intentó originalmente que EPCOT careciera de los personajes Disney que inicialmente limitaban que la ciudad fuera atractiva sólo a los niños. La compañía cambió más tarde su política y los personajes de Disney pueden ser vistos por todo el parque, a menudo vestidos con ropa que refleja sus diferentes orígenes culturales.

Imperio del entretenimiento de Disney

Los estudios de animación de películas de Walt Disney y los parques temáticos han hecho que una corporación multimillonaria de televisión, películas, destinos de vacaciones y de medios de comunicación lleve su nombre. Entre otros activos, The Walt Disney Company posee cinco centros turísticos, once parques temáticos, dos parques acuáticos, treinta y nueve hoteles, ocho estudios de cine, seis sellos discográficos, once cadenas de televisión por cable y una cadena de televisión terrestre. La compañía opera en cinco principales segmentos empresariales. Su segmento de parques es, de lejos, el mayor operador de parques temáticos en términos de asistencia de público por año y el segmento del cine es uno de los seis mayores estudios de Hollywood. En 2013, la compañía tuvo unos ingresos anuales de más de 45.000 millones de dólares y empleó aproximadamente a unas 175.000 personas.

Animación de Disney

Walt Disney fue un pionero en la animación de personajes. Fue una de las primeras personas en dejar la animación de dibujos animados básicos con “gags raros e imposibles” y personajes toscamente dibujados, y de convertir la animación en una forma de arte con reconfortantes guiones y personajes que transmitían emociones a la audiencia. Como se indicó arriba, esto culminó con la creación de un departamento de guionistas separado donde podían especializarse en la creación de historias. La personalidad mostrada por los personajes de sus películas así como los grandes avances tecnológicos que influyen todavía en la actualidad. Fue considerado por muchos de sus colegas como un narrador maestro y el departamento de animación no se recobró de su muerte hasta el período entre 1989 y 1999 que es conocido ahora como el Renacimiento de Disney. Las películas que tuvieron más éxito en ese período, tanto financieramente como con la crítica, fueron: “¿Quién engaño a Roger Rabbit?” (1988), La Sirenita (1989), La Bella y la Bestia (1991), Aladín (1992) y El Rey León (1994). En 1995, Walt Disney Pictures distribuyó la película de Pixar, Toy Story, la primera película animada por ordenador. El sobrino de Walt Disney, Roy E. Disney dijo que a Walt le habría gustado Toy Story y que era “su tipo de película”.

Con el incremento de las películas animadas por ordenador emergió, a principios de la década de 2000, una corriente de películas que estaban animadas de la forma tradicional y que no tuvieron éxito financiero. Esto llevó a la controvertida decisión de la compañía de cerrar el departamento de animación tradicional. Los dos estudios de París y Orlando fueron cerrados, y el estudio principal de Burbank fue convertido en una instalación de animación por ordenador, despidiendo a centenares de personas en el proceso. En 2004, Disney presentó lo que anunció como su última película de animación tradicional “Zafarrancho en el rancho”. Sin embargo, hasta la adquisición de Pixar en 2006, y el ascenso resultante de John Lasseter a Jefe Creativo de Disney Animation, esta posición ha cambiado con la película de gran éxito “Tiana y el sapo”. Esto marcó la vuelta de Disney a la animación tradicional, y el estudio volvió a contratar a trabajadores que habían sido despedidos en el pasado. Hoy, Disney produce películas animadas por ordenador y animadas tradicionalmente.

CalArts

En sus últimos años, Disney dedicó mucho tiempo, dinero y esfuerzo al Instituto de Arte de California (CalArts). Se creó en 1961 a través de una fusión entre el Conservatorio de Música de Los Angeles y el Instituto de Arte Chouinard. Cuando Disney murió, una cuarta parte de su herencia fue a CalArts, lo que le ayudó a construir sus campus. En su testamento, Disney preparó el camino para la creación de varias obras benéficas entre las que se encuentran el Instituto de las Artes de California y la Fundación Disney. También donó 0,154 km2 del rancho Golden Oaks en Valencia para la construcción de la escuela. CalArts se trasladó al campus de Valencia en noviembre de 1971.

En uno de los primeros informes de admisiones, Disney explicó: “Hace cien años,, Wagner concibió unir todas las artes, combinando música, teatro, pintura y baile, pero en su loca imaginación no tenía aún pistas de las infinitas posibilidades que iban a convertirse en comunes a través de la invención de la grabación, de la radio, del cine y de la televisión. Ha habido genios que han combinado las artes en los medios de comunicación masiva, y ellos nos han dado nuevas y poderosas formas de arte. El futuro tiene grandes promesas para los que su imaginación está entrenada para jugar en la vasta orquesta de la combinación de artes. Tales superhombres aparecerán en aquellos entornos que dan contacto con las artes, pero incluso aquellos que se especializan en una sola fase del arte, se beneficiarán de amplios horizontes”.

Museo de la Familia de Walt Disney

En 2009, el Museo de la Familia de Walt Disney abrió en el Presidio de San Francisco. Miles de objetos de la vida de Disney y de su carrera están expuestos, incluyendo los 248 premios que recibió. Diane cofundó el Museo de la Familia de Walt Disney con la ayuda de sus hijos. El museo fue creado para preservar la imagen de su padre y que llegara a los millones de fans de todo el mundo. El museo muestra una vista cronológica de la vida de Walt Disney a través de los objetos personales, puntos de información interactivos y varias animaciones.

Acusaciones de antisemitismo y de racismo

Se rumoreó durante mucho tiempo que Disney era antisemita durante su vida, y tales rumores persisten después de su muerte. En 1938 él dió la bienvenida a la cineasta y propagandista nazi Leni Riefenstahl a Hollywood para promocionar su película Olympia. Incluso después de las noticias de la Noche de los Cristales Rotos, Disney no canceló su invitación a Riefenstahl. El animador de arte Babbitt dijo haber visto a Disney y a su abogado, Gunther Lessing, asistiendo a reuniones de la German American Bund, una organización pro-nazi, a finales de los años treinta.

El animador y director David Swift, que era judío, le dijo a un biografo que cuando le informó a Disney que iba a abandonar la compañía para aceptar un puesto de trabajo en Columbia Pictures en 1941, Disney respondió -en un fingido acento judío- “De acuerdo, muchacho, vete a trabajar con esos judíos. Es allí a donde perteneces, con esos judíos”. Swift volvió a los Estudios Disney en 1945, sin embargo, más tarde dijo que “le debía todo” a Disney. Cuando dejó el estudio por segunda vez a principios de los cincuenta, Disney le dijo: “hay una vela encendida en la ventana por si quieres volver algún día”.

En 2006, el biógrafo de Disney, Neal Gabler, el primer escritor en conseguir acceso total a los archivos de Disney, concluyó que esta prueba disponible no apoyaba las acusaciones de antisemitismo. En una entrevista en la CBS, Gabler resume sus sensaciones:

Esta es una de las preguntas que todo el mundo me hace... Mi respuesta a esto es no, en el sentido convencional de que pensamos que alguien es antisemita. Pero él ganó esta reputación porque, en los cuarenta, se alió a un grupo llamado Alianza Cinematográfica por la Preservación de los Ideales Americanos, que era una organización anticomunista y antisemita. Y aunque Walt, tal y como yo creo, no era antisemita, sin embargo, se alió con personas que sí lo eran, y se le quedó esta reputación. Él no pudo desembarazarse de ella durante toda su vida.

Disney finalmente se distanció de la Alianza Cinematográfica en los cincuenta. Gabler escribió que tres meses después de la visita de Riefenstahl, Disney la desaprobó, indicando que él no conocía quién era ella cuando la mandó la invitación. Gabler también cuestionó la historia de Babbitt, y dijo que Disney no tenía tiempo para mítines políticos y que era “muy apolítico” durante los treinta.

El Museo de la Familia de Walt Disney reconoce que Disney tuvo “relaciones difíciles” con algunos judíos, incluyendo a Babbitt y a David Hilberman; y que los estereotipos étnicos comunes en las películas de los treinta fueron incluidos en algunos de los primeros dibujos animados, tales como “Los Tres Cerditos” (en la que el malvado lobo entra por la puerta vestido como un vendedor judío) y “The Opry House” (en la que Mickey Mouse aparece vestido y baila como un judío hasídico); pero Gabler y el Museo han indicado que él era amigo de muchos judíos que eran sus compañeros en la escuela, que donaba regularmente a varias entidades benéficas judías (el Orfanato Hebreo, la Facultad Yeshiva, el Hogar de la Tercera Edad de los Judíos, y la Liga Americana por una Palestina Libre), y fue nombrado “Hombre del año 1955” por la Sección B'nai B'rith en Beverly Hills. El artista y guionista Joe Grant indicó que “algunas de las personas más influyentes en el estudio eran judíos” -incluyendose a sí mismo, al director de producción Harry Tytle y a Herman “Kay” Kamen, el Jefe de Marketing, que una vez bromeó con que la oficina de Disney en Mueva York ... tenía más judíos que el Levítico”. Según Gabler, ninguno de los empleados de Disney -incluyendo a Babbitt, al que no le gustaba nada Disney- jamás lo acusó de insultar o de burlarse de los judíos.

Disney ha sido también acusado de racismo, porque varias producciones presentadas durante los treinta y los cuarenta contienen material muy racista. Por ejemplo, “El Melodrama de Mickey”, en el que Mickey Mouse, está caracterizado de negro; el pájaro “negro” en el corto “¿Quién mató al Gallo Robin?; Girasol, el medio burro, medio centauro negro con una sandía en Fantasía; el largometraje “Canción del Sur”; los Indios en Peter Pan; y la muchedumbre en Dumbo (aunque la muchedumbre simpatizaba con Dumbo ya que sabía lo que era ser discriminado).

A pesar de ello, Gabler escribió: “Walt Disney no era racista. Él nunca, privada o públicamente, hizo comentarios discriminatorios sobre los negros o habló sobre la superioridad de los blancos. Sin embargo, como muchos americanos blancos de su generación, él no prestaba atención al racismo”. Por ejemplo, durante una reunión para el guión de Blancanieves y los Siete Enanitos él se refirió a los enanos poniéndose unos encima de los otros como una “pila negra”, y durante el casting de Canción del Sur usó el término negrito. Canción del Sur fue criticada por muchos críticos de cine, la NAACP, y otros por su perpetuación de los estereotipos negros; pero Disney hizo campaña más tarde por un Premio Honorífico de la Academia para su estrella, James Baskett, el primer afroamericano en recibir ese honor. Baskett murió poco después, y su viuda escribió a Disney una carta de corazón, de gratitud y de apoyo. El animador negro Floyd Norman, que trabajó para Disney durante los cincuenta y los sesenta, dijo: “Ni una sola vez observé en Walt Disney un comportamiento racista. Su tratamiento de la gente -y con esto me refiero a toda la gente- sólo puede ser calificado como de ejemplar”. Robert B. Sherman escribió en sus memorias: “Habiendo trabajado codo a codo con Walt durante los últimos siete años de su vida, puedo testificar que no era un misógino. No era antisemita ni era un ladrón de ideas”.

Premios de la Academia

Walt Disney mantiene el record de nominaciones a Premios de la Academia (59) y de Óscar (22). También obtuvo cuatro Óscar honoríficos. Su último Premio de la Academia en competición fue póstumo.

Los más notables son:

Otros honores

Walt Disney fue la primera persona en recibir una estrella en el Paseo Anaheim concedido en reconocimiento a su significante contribución al la ciudad de Anaheim y específicamente a Disneylandia, que es ahora el Centro Turístico Disneylandia. La estrella está a la entrada de la parte peatonal del Centro Turístico Disneylandia en el Bulevar Harbor. Disney fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood el 8 de febrero de 1960 con dos estrellas, una por las películas de animación y otra por sus obras para la televisión. Disney fue incluido póstumamente en el Salón de la Fama de la Televisión en 1986.

Walt Disney recibió la Medalla de Oro del Congreso el 24 de mayo de 1968 (P.L. 90-316, 82 Stat. 130–131) y la Legión de Honor concedida por Francia en 1935. En 1935, Walt recibió una medalla especial de la Liga de las Naciones por la creación de Mickey Mouse, que fue el premio Mickey Mouse. También recibió la Medalla Presidencial de la Libertad el 14 de septiembre de 1964. El 6 de diciembre de 2006, el Gobernador de California, Arnold Schwarzenegger, y la Primera Dama María Shriver incluyeron a Walt Disney en el Salón de la Fama de California que se encuentra en el Museo de California de la Historia, de las Mujeres y de las Artes.

La Sociedad Nacional Audubon premió a Disney con su mayor honor, la Medalla Audubon, en 1955 por promover la “apreciación y el conocimiento de la naturaleza” a través de sus películas sobre la naturaleza “Aventuras de la Vida Real”

Un planeta pequeño, 4017 Disneya, descubierto en 1980 por la astrónoma soviética Lyudmila Karachkina, tiene su nombre por él.

En 1993, HBO dió los primeros pasos para hacer una película autobiográfica de Walt Disney, dirigida por Frank Pierson y producida por Lawrence Turman, pero el proyecto no se materializó nunca y fue pronto abandonado. Sin embargo, Walt -El Hombre detrás del Mito- un documental biográfico sobre Disney, fue hecho más tarde.

El actor Tom Hanks hizo de Walt en la película Saving Mr. Banks (2013). Fue la primera vez en la que un actor hizo de Walt Disney en una película.

También se le concedieron a Disney Grados honoríficos en Harvard, Yale, la Universidad del Sur de California y UCLA; la Orden de la Corona de Tailandia; la Orden de la Cruz del Sur de Brasil; la Orden del Águila Azteca de Méjico; y el Premio Mundial del Showman de los Asociación Nacional de Propietarios de Teatros.